Movie Shack » Biographie

Serpico

Mr. J. — Wed, 22 Feb 2017 12:19:42 +0000

Man stelle sich einen riesigen miefenden Sumpf vor. Unlauteres Getier treibt sein Unwesen, Mücken und Moskitos saugen unschuldige Opfer aus und der Geruch von Fäulnis und Vergänglichem liegt in der Luft. Nun stelle man sich weiter vor, dass dieser Sumpf nicht irgendwo in der menschenleeren Natur liegt, sondern in einer riesigen Metropole wie New York City. Der Stadt also, die niemals schläft und die gerne auch als enthemmter Moloch herhalten muss, wenn es im Film um die Darstellung von Verkommenheit geht. Durch diesen morastigen Sumpf kämpft sich als strahlender Gegenpol ein einsamer Held. Ein Held? Oder doch einfach ein Mensch, der sich nicht mit den Gegebenheiten abfinden möchte? Und was ist Frank Serpico (Al Pacino) doch für ein Überzeugungstäter, als er mit dem Polizeidienst beginnt. Da kann man Menschen helfen, den Schwachen vor den Starken schützen – oder man macht es eben so wie die allermeisten seiner Kollegen und hält die Hand auf. Der New Yorker Polizeibetreib ist so gut geschmiert, das man es kaum glauben kann. Fast kann man sich als Beamter nicht mehr auf den Beinen halten, so gleitet man auf den Geldscheinen durch die Straßen. Erklärter Feind ist in so einem “Konglomerat der Ungerechtigkeit” derjenige, der sich eben nicht schmieren lässt. In diesem Fall: Serpico. Sein Problem: herauszufinden, wer Freund und wer Feind ist und wer vor allem auch in den schwersten Stürmen zu einem hält. Das sind im Zweifelsfall nicht mehr als eine Handvoll, was auch daran liegt, dass sich die Misere bis in die allerhöchsten Kreise zieht. Mit “Serpico” gelingt Sidney Lumet (”The Verdict”, “Hundstage”) eine sehenswerte Milieustudie. Das New York der 70er ist kulissentechnisch ein Gewinn. Dreckiger als heute, die Leute den bestimmten Ticken abgefuckter, nicht umsonst hatte die Stadt einmal einen miesen Ruf weg. Also der Film hat Stimmung, mit Al Pacino den perfekt besetzten Hauptdarsteller und ein spannendes Thema. Warum das Ganze einen dennoch nicht völlig umhaut, ist da gar nicht so leicht zu beantworten. Versuchsweise könnte man es an zwei Punkten festmachen. Erstens fehlt ein wirklicher Spannungsbogen, zweitens hätten die Charaktere komplexer bzw. tiefgehender ausgearbeitet werden können, in dieser Form dringt man nicht gänzlich zu Ihnen vor. Aber insgesamt ist das in diesem Fall Jammern auf hohem Niveau. Also: Hinsetzen. Anschauen und Filmkunst aus vergangenen Tagen genießen.

Zusätzliche Informationen zum Film

Originaltitel: Serpico Land: Italien, USA Jahr: 1973 Regie: Sidney Lumet Darsteller: Al Pacino, John Randolph, Jack Kehoe Weitere Infos: IMDB, Amazon

Redaktion:
★★★★★★★☆☆☆

Der junge Messias

Mr. J. — Wed, 25 Jan 2017 17:07:04 +0000

Immer wieder, aber nicht sonderlich oft, schaffen es Filme mit einer klaren christlichen Botschaft bzw. Geschichte in die deutschen Kinos. Dort verharren sie häufig nicht allzu lange oder landen gleich direkt auf DVD – die Ausnahme mag wohl Mel Gibsons “Passion Christi” gewesen sein. Die Gründe dafür mögen mannigfaltig sein. Regisseur Cyrus Nowrasteh fokussiert sich in “Der junge Messias” seinerseits jedenfalls voll und ganz auf die Kindheitstage von Jesus. Das große Problem dabei liegt auf der Hand: Die vier Evangelien gehen mit Informationen aus dieser Zeit äußerst sparsam um. Soll heißen, lediglich Lukas gewährt einen etwas “längeren” Einblick. Gut für Nowrasteh, dass die Buchautorin Anne Rice sich neben ihren Vampirgeschichten und Erotikromanen auf ihre katholischen Wurzeln besonnen hat und einen fiktiven Roman über den jungen Jesus geschrieben hat. Auf diesem Buch basiert der Film dann auch. Einen theologischen Streit über Darstellung und Geschichtsklittereien lohnt somit nicht. Die Story beginnt mitten in Ägypten, wohin Maria und Josef nebst Jesus aus den bekannten Gründen flüchten mussten. Nach dem Tod Herodes’ gibt es wahrlich keinen Grund mehr dort zu bleiben und der Heimkehr steht nichts mehr im Wege. Auf dieser Wanderung liegt der Schwerpunkt des Films. Wirklich viel passiert dabei aber nicht. Klar, es gibt die Spannung, dass Maria und Josef nicht verraten wollen dass er, Jesus, Gottes Sohn ist (sic!) oder dass eine Handvoll Römer sich auf die Suche nach ihm gemacht haben, um ihn zu töten. Also das zu beenden versuchen, was sie gewissermaßen Jahre zuvor nicht geschafft haben. Praktischerweise stehen diese Truppen unter dem Befehl von Antipas, dem Sohn Herodes des Großen (sic!). Was man dem Film deutlich anmerkt, ist die Knappheit des Geldes, das hier zu Verfügung stand. Das ist aber nun mal besonders bei historischen Stoffen essentiell, um realistische Kostüme und Settings zu schaffen, die nicht gerade nach dem letzten Italienurlaub aussehen. Denn, oh Wunder, genau dort wurde das Ganze tatsächlich abgedreht – was man auch gut erkennen kann, sofern man sich schon einmal in den Süden vorgewagt hat. Kurz gesagt ist “Der junge Messias” eine vertane Chance und kommt über eine grundsätzlich interessante Idee und den ein oder anderen gelungenen Ansatz leider nicht hinaus.

Zusätzliche Informationen zum Film

Originaltitel: The Young Messiah Land: USA Jahr: 2016 Regie: Cyrus Nowrasteh Darsteller: Adam Greaves-Neal, Vincent Walsh, Sara Lazzaro, Sean Bean Weitere Infos: IMDB, Amazon

Redaktion:
★★★½☆☆☆☆☆☆

Legend

Mr. J. — Fri, 25 Nov 2016 19:47:47 +0000

Das mit den Legenden ist so eine Sache. Gerne wird man posthum als solche bezeichnet – also dann, wenn man nichts mehr davon hat – und wirklich kaufen könnte man sich für den Titel auch nichts. Im Gangster-Milieu ist ein guter Name jedenfalls etwas Wert, da sich hinter diesem in der Regel die passende Geschichte versteckt, die einem den nötigen Respekt abverlangt. Im Londoner East End sind es Reggie und Ronnie Kray, an denen kein Weg vorbeiführt, wenn man es an diesem etwas von der Politik vergessenen Ort schnell zu etwas bringen will. Der Name Kray ist eine Marke, die für Heimatverbundenheit – eine Identifikation mit dem Viertel ist immer da – Skrupellosigkeit und Gewalt steht. In den 50er bzw. im Laufe der Story dann auch 60er Jahren scheint das alles auch noch etwas einfacher gewesen zu sein, das mit dem Schmieren, Einschüchtern und Angehimmelt-werden. Wer hält heute noch große Stücke auf Größen der Unterwelt? Längst scheut man das Licht und agiert im Hintergrund. Die Zeiten der Capones, Lucky Lucianos oder eben der Krays sind definitiv vorbei. Der Film von Brian Helgeland (”Payback”) versucht dem Ganoven-Zwillingspaar ein würdiges Biopic zu geben. Das Dilemma dabei ist, dass man nach dem Film genauso schlau ist wie davor, da man kaum etwas mehr als Bruchstücke über die Brüder erfährt. Nur sehr oberflächlich wird an den Figuren gekratzt. Das hat zur Folge, dass man zwar gute Bilder und einen überragenden Tom Hardy in einer Doppelrolle hat, aber genauso einen abgegriffenen Stoff, der sich mitunter als ziemlich zäh erweist. Der simpel-poppige Soundtrack hilft einem dann auch noch wunderbar, dass die Bilder nur so durch einen durchrauschen, ohne das groß etwas hängen bleibt. Aufstieg und Fall. Sieg und Niederlage. Ruhm und Schande. Man möchte es eigentlich nicht mehr sehen und schon gar nicht in so “klassischer” Art und Weise, wie Helgeland es zeigt. Wie es hätte gehen können bzw. besser geht, sieht man an aktuellen Produktionen aus z.B. Italien. Rau und dreckig lautet dort die Devise. Wohl näher an der Realität dran als dieser Stoff.

Zusätzliche Informationen zum Film

Originaltitel: Legend Land: UK, Frankreich, USA Jahr: 2015 Regie: Brian Helgeland Darsteller: Tom Hardy, Emily Browning, Chazz Palminteri Weitere Infos: IMDB, Amazon

Redaktion:
★★★★★½☆☆☆☆

Der Admiral – Kampf um Europa

Mr. J. — Fri, 14 Oct 2016 14:42:43 +0000

Jedes Land hat seine Helden, auf die so manches Loblied gesungen wird. Oft bekannt als Nationen-(Ver)einer, Nationen-Möglichmacher, Kriegshelden oder einfach Persönlichkeiten, zu denen man aufschauen kann. Einer der niederländischen Nationalhelden ist Michiel de Ruyter. In seinem sogenannten Goldenen Zeitalter war dieses flächenmäßige Leichtgewicht ein absoluter Global Player, der sich weder hinter Frankreich noch England verstecken musste. Diese beiden Nationen sind auch im Film von Roel Reiné die größten Widersacher, die vor allem Waffengewalt auf See einsetzen, um für klare Verhältnisse zu Sorgen. Aber wie so oft droht der Feind nicht nur von außen, sondern auch von innen. Im Grunde beharken sich die Republikaner, die aktuell auch an der Macht sind, und die Orangisten, die am liebsten wieder einen König an der Staatsspitze möchten. Nun befinden wir uns aber an einem kritischen Punkt. Das ist nicht der Plot noch sind es grundsätzlich historische Stoffe an sich – sondern vielmehr deren Finanzierung. Bei “Der Admiral” handelt es sich nämlich um eine niederländische Produktion, die mit läppischen 8 Millionen Euro Produktionskosten an ihre Grenzen kommt. Interessanterweise wirkt sich das fehlende Geld weniger auf z.B. die Seeschlachten aus, als vielmehr darauf, dass man keine namhaften Schauspieler anwerben konnte – Rutger Hauer in einer Nebenrolle einmal außen vor gelassen. Folglich versprüht Admiral de Ruyter hier das Charisma eines Pommesbuden-Betreibers und weniger das eines Nationalhelden – und so zieht sich das fast durch den gesamten Cast. Kurzum hat man es hier mit einem typischen “Licht- und Schattenspiel“ zu tun, wobei das Licht überwiegt, was alleine schon dem Umstand geschuldet ist, dass es zu den Thema sonst praktisch keinen Filmstoff geben dürfte.

Zusätzliche Informationen zum Film

Originaltitel: Michiel de Ruyter Land: Niederlande Jahr: 2015 Regie: Roel Reiné Darsteller: Charles Dance, Rutger Hauer, Daniel Brocklebank Weitere Infos: IMDB, Amazon

Redaktion:
★★★★★★☆☆☆☆

I, Olga Hepnarova

Reiskorn — Mon, 28 Mar 2016 11:21:48 +0000

Der Eröffnungsfilm der Panorama-Sektion bei der diesjährigen Berlinale erzählt die wahre Geschichte von Olga Hepnarova, der letzten Frau in der tschechischen Geschichte, die hingerichtet wurde. In tristem Schwarz-Weiß gefilmt, nimmt sich der Film einige Zeit, seiner Protagonistin auf dem Weg ins Verderben zu folgen. Dabei dominieren ruhige Einstellungen die Inszenierung, ein Filmscore existiert nicht.

Zu Beginn ist es spannend, die Figur der Olga kennenzulernen. Rebellisch und eigensinnig, wird sie Opfer von Schikanen in einem Heim und auch Missbrauch in der Familie wird zumindest vage angedeutet. Bis zu diesem Punkt schaut man ihrem Treiben gebannt zu, aber mit fortlaufender Zeit driftet der Film ein wenig ab. Längen machen sich breit, weil man der Titelheldin gefühlt ein wenig zu oft beim deprimiert einsamen Herumlungern beobachtet. Ebenfalls problematisch ist, dass der Film viel Zeit darauf verwendet, Olga dabei zeigt, wie sie sich in Gruppen einzufügen versucht, ihre lesbische Ader voll auslebt und dabei sogar forsch und extrem
selbstbewusst zu Gange geht und wie sie diverse Jobs bekommt und wieder los wird. Man mag in der Phase eine Coming-of-Age-Geschichte in trister Optik sehen. Aber wenn Olga am Ende mehrere Menschen überfährt und sie anschließend vor Gericht behauptet, dass sie ein Zeichen gegen eine gleichgültige Gesellschaft setzen wollte, in der sie Opfer von Mobbing und dergleichen wurde, dann hat es der Film bis dahin versäumt, ihre psychischen Abgründe in der Gänze zu erforschen. Redet sie also davon, dass sie sich wie ein Außenseiter gefühlt hat, so hat man sie zuvor oft in Begleitung und bei zwischenmenschlichen Interaktionen gesehen. Eine verzerrte Wahrnehmung muss man als Zuschauer interpretieren, aber zumindest filmisch und erzählerisch bleiben die Hinweise über weite Strecken aus. Der Weg von der Verhaftung hin zu ihrer Exekution ist wiederum spannend: Wenn Olga von Gutachtern ausgefragt wird, hofft man insgeheim, dass diese junge Frau sich vielleicht doch noch als unzurechnungsfähig outet und ihr Urteil abwenden kann und auch eine Begegnung mit ihrer Mutter geht an die Nieren. Am Ende dämmert es ihr und sie lässt einen markerschütternden Schrei aus und muss zu ihrer Hinrichtung gezerrt werden – in dem Moment gefriert das Blut in den Adern.

Hauptdarstellerin Michalina Olszanska als Olga ist eine Entdeckung, von der hoffentlich in Zukunft noch viel zu sehen sein wird. “I, Olga Hepnarova” ist ein streng und spartanisch inszeniertes Biopic mit gutem Anfang und Ende, aber einem Mittelteil, der sich zieht und scheinbar den falschen erzählerischen Fokus wählt.

Zusätzliche Informationen zum Film

Originaltitel: Já, Olga Hepnarová Land: Tschechien, Polen, Slowakei, Frankreich Jahr: 2016 Regie: Petr Kazda, Tomás Weinreb Darsteller: Michalina Olszanska, Martin Pechlát, Klára Melísková Weitere Infos: IMDB

Redaktion:
★★★★★★☆☆☆☆

Flucht von Alcatraz

Mr. J. — Mon, 28 Mar 2016 11:12:40 +0000

“Alcatraz” ist längst ein Synonym für Endgültigkeit und Ausweglosigkeit, für einen Punkt, an dem man sich befindet und dann lange nicht weiter kommt. Stillstand ist dann auch die eigentliche Strafe auf dieser Gefängnisinsel für die ganz “speziellen” Fälle. Um Rehabilitation oder gar eine schnellstmögliche Rückführung in die Gesellschaft geht es hier nicht. Vielmehr um das Abbüßen einer Strafe, die man auch wirklich spüren soll. Eine Flucht ist von hier faktisch unmöglich. Wo die Wachen nebst Stacheldraht – wie auch immer – vielleicht noch überwunden werden könnten, lauert dahinter das eisige Nass des Meeres als unüberwindliche natürliche Todeszone. Es hält sich aber das hartnäckige Gerücht, dass es drei Insassen tatsächlich gelungen ist, von der Insel zu fliehen – und genau von diesen handelt der Film von Don Siegel (”Dirty Harry”, “Die Dämonischen”). Diesem gelingt es, aus allzu bekannten Knastsituationen wie etwa dem Ärger auf dem Gefängnishof oder dem sadistischen Gefängnisleiter usw. einen spannenden Film zu machen. Das kann man in Anbetracht der Tatsache, dass im Grunde weder Weltbewegendes noch Überraschendes passiert, durchaus als nicht gerade kleines Kunststück ansehen. Womit auch “Flucht von Alcatraz” wieder einmal zeigt, was einen guten Regisseur ausmacht: die Kunst, aus wenig viel zu machen. Die Stimmung passt durchweg und Clint Eastwood als Leitwolf bei dem Ausbruch – ohnehin eine sichere Kiste.

Zusätzliche Informationen zum Film

Originaltitel: Escape from Alcatraz Land: USA Jahr: 1979 Regie: Don Siegel Darsteller: Clint Eastwood, Patrick McGoohan, Roberts Blossom Weitere Infos: IMDB, Amazon

Redaktion:
★★★★★★★½☆☆

GoodFellas

Mr. J. — Fri, 18 Mar 2016 21:26:12 +0000

Was kann man über einen Film schreiben, der als wahre Genregröße gilt, dadurch de facto unantastbar wird und somit über jede Kritik erhaben ist? Eigentlich kann bzw. muss man alles über ihn schreiben. Denn nicht nur beim Scotch, den die Film-Mobster hier in rauen Mengen kippen, zeigt sich der wahre Charakter einer Sache erst dann, wenn sie durch die Jahre “geschliffen” wurde und dennoch ihren Wesenskern behalten hat. Dass es sich bei “Goodfellas” von Martin Scorsese um einen interessanten und gut gemachten Film, vielleicht auch Klassiker, handelt, steht außer Frage. Weniger liegt das am Thema – das war schon damals praktisch durch, zumindest so wie es Scorsese erzählt – sondern vielmehr am unheimlich guten Cast. Insbesondere das Trio De Niro, Pesci und Liotta liefert schauspielerisch das Maximum ab. Beginnen tut die Geschichte in den 50er Jahren. Der noch junge Henry Hill, im fortgeschrittenen Alter von Ray Liotta dargestellt, ist fasziniert von der Ganovenschaft die sich, praktischerweise, genau auf der gegenüberliegenden Straßenseite regelmäßig zum Plausch trifft. Einmal angefixt von der Idee, dazugehören zu wollen, beginnt Hills Stern zu steigen. Erst mit kleinen Aufträgen und Diebstählen, bis es dann zu den ganz großen Dingern kommt. Mit traumwandlerischer Sicherheit, dass ihm keiner was kann, wähnt er sich im höchsten Olymp, leistet sich eine Geliebte neben seiner Familie. Luxus und Geld fangen da bald zu öden an. Also noch ein größerer Kick. Her mit dem Kokain, das er dummerweise zu gleichen Teilen für die Kunden und seine eigene Nase bestimmt hat. Da kann und muss der Absturz irgendwann natürlich zwangsläufig kommen… Möglicherweise ist das größte Manko des Streifens, dass es Scorsese in 2,5 Stunden nicht gelingt bleibende, einmalige Szenen zu schaffen, die ein Film nun mal braucht, um zu einem absoluten Klassiker zu werden. Aus handwerklicher und schauspielerischer Sicht gibt es hier keinen Grund zur Beschwerde. Neben ansprechenden Szenerien bildet sich allerdings auch zu viel Leerlauf, bei dem man sich ein ums andere mal eine Raffung des Ganzen gewünscht hätte. Was ist aber nun “Goodfellas”? Absolutes Meisterwerk – weniger. Eine Enttäuschung – auf keinen Fall.

Zusätzliche Informationen zum Film

Originaltitel: GoodFellas Land: USA Jahr: 1990 Regie: Martin Scorsese Darsteller: Robert De Niro, Ray Liotta, Joe Pesci Weitere Infos: IMDB, Amazon

Redaktion:
★★★★★★★☆☆☆

Fitzcarraldo

Mr. J. — Fri, 19 Feb 2016 09:10:08 +0000

Auch wenn es für Außenstehende nicht selten verückt wirkt: wenn ein Lebenstraum wahr werden soll, dann muss man bereit sein, alles für ihn zu opfern. Der Opern-Narr Fitzcarraldo (Klaus Kinski) etwa hat es sich in seinen blonden, verwuschelten Kopf gesetzt, tief im peruanischen Dschungel ein Opernhaus zu errichten. Kein kleines, sondern eines, von dem man redet. Für eine Kokosnuss und eine Affenklaue gibt es das natürlich nicht und wo Fitzcarraldo in seinem Kopf wahre Schlösser errichten kann, versagt ihm das glückliche Händchen bei den profanen Geschäften im Hier und Jetzt. Kurz gesagt: er hat viel vor, aber nicht das nötige Kleingeld. Doch im Urwald lässt sich durchaus Geld verdienen. Kautschuk ist das Wundermittel. Also flugs einen alten Flussdampfer gekauft und ab auf den ruhigen, aber von realitätsfernen Ureinwohner gesäumten Fluss. Mit “Fitzcarraldo” ist Werner Herzog ein sehr langer, aber dennoch nicht uninteressanter Blick auf einen Exzentriker gelungen. Vor allem eine Szene, in der besagtes Dampfschiff über einen Berg gezogen wird, bleibt hängen – wohl alleine deswegen hat der Film die Zeiten überdauert. Klaus Kinski indes kann seine Theater-Gene nie leugnen, was dem Geschehen manches Mal eine unnötige Künstlichkeit gibt. Der Film zeigt aber auch auf, was möglich ist, wenn einer alle wichtigen Fäden in der Hand hält. So zeigt sich Herzog für Regie, Drehbuch und die Produktion verantwortlich. Es gibt sie also doch, die guten alten Tage. Produzieren würde das in dieser Form heute nämlich kein Mensch mehr.

Zusätzliche Informationen zum Film

Originaltitel: Fitzcarraldo Land: Deutschland, Peru Jahr: 1982 Regie: Werner Herzog Darsteller: Klaus Kinski, Claudia Cardinale, José Lewgoy Weitere Infos: IMDB, Amazon

Redaktion:
★★★★★★½☆☆☆

Steve Jobs

Reiskorn — Mon, 16 Nov 2015 15:05:45 +0000

Dieser Film steht unter Strom, ein “Mad Max: Fury Road” der Dialoge. Worte prasseln auf einen nieder wie Maschinengewehr-Projektile im Dauerfeuer, trotz überschaubaren Sets und Situationen ist Danny Boyles neuester Streifen immerzu am Pulsieren. Aaron Sorkins Drehbuch und der meisterhafte Schnitt verleihen dem Werk einen beständigen Rhythmus im Wechsel zwischen abebbender Intensität und sintflutartigen, verbalen und emotionalen Sturzbächen, begleitet von einem eher unauffälligen, aber höchst effektiven, treibenden Score. Und dann die Darsteller: Kate Winslet ist toll, Jeff Daniels glänzt, sogar Seth Rogen gefiel mir richtig gut. Aber alle prallen an Michael Fassbender ab, der Jobs mit einer Manie und Verve spielt, die ihresgleichen suchen. Er ist das Epizentrum dieses Erdbebens von einem Film, das schwarze Loch, das alle anderen Nebenfiguren anzieht, nur um sie sogleich mit voller Wucht wieder hinweg zu schleudern. Gegen ihn wirkt selbst Leonardo DiCaprios Jordan Belfort in “The Wolf of Wall Street” wie ein Hampelmann. Natürlich gibt es sie auch hier, die kleineren Zugeständnisse an Hollywood. Und jedem sollte vorher klar werden, dass er keine sonderlichen (neuen) Einblicke in das Leben und Schaffen von Jobs bekommt. Dazu ist der Blick des Films zu eng gefasst, dafür interessiert er sich allerdings auch wenig. Auch “Steve Jobs” ist meiner Meinung nach ähnlich wie “The Social Network” oder zuletzt “The Program” über Lance Armstrong weniger Bio- sondern mehr “Character-Pic”, wie ich es jetzt neu benenne. Der Werdegang ist egal, die Persönlichkeit ist alles, was wirklich zählt. Deswegen erlaubt sich der Film den Kniff, die Spannung immer bis zum Anschlag aufzubauen, um sie dann eigentlich nie wirklich aufzulösen. Die Lücken sind bereits Geschichte, ein Jeder kennt sie oder kann sie auch im Internet nachschauen. Am Ende ist man erschlagen und aufgekratzt zugleich von diesen 120 Minuten Film, die sich anfühlen wie 70. Überwältigend.

Zusätzliche Informationen zum Film

Originaltitel: Steve Jobs Land: USA Jahr: 2015 Regie: Danny Boyle Darsteller: Michael Fassbender, Kate Winslet, Seth Rogen, Jeff Daniels Weitere Infos: IMDB, Amazon

Redaktion:
★★★★★★★★★☆

Straight Outta Compton

Reiskorn — Sun, 16 Aug 2015 17:47:35 +0000

N.W.A. oder “The World’s Most Dangerous Group”, wie sie sich auch einst nannten, bekommen 27 Jahre nach ihrem wegweisenden Album nun ein filmisches Denkmal mit gleichem Titel spendiert. Als ausführende Produzenten fungierten u. a. mit Ice Cube und Dr. Dre zwei der wichtigsten ehemaligen Mitglieder der Gruppe.

Vordergründig handelt es sich bei “Straight outta Compton” natürlich um ein Musik-Biopic, das Aufstieg und Fall der legendären Rapgruppe nacherzählt. Viele Episoden und Elemente sind daher schon längst auch aus anderen Filmen bekannt: Die freudig-naive Genese, der Erfolg, die internen Zerwürfnisse, windige Geschäftsmänner. Regisseur F. Gary Gray spannt einen breiten und strikt chronologischen Bogen über die üppigen 150 Minuten Laufzeit und trotz einem vertrauten Story-Verlauf gelingt es ihm insbesondere in der ersten Hälfte, seine Figuren und ihr ihnen innewohnendes Feuer mit Verve und liebevoll detailliertem Blick auf soziale und kulturelle Milieus der 80er Jahre darzustellen. Dabei setzen Aufnahmesessions und Rapperformances wie erwartet Highlights – die Lust am Produzieren ist ansteckend, die Raps und die damit transportierten Worte erklingen im Kinosaal mit einer solch überwältigenden Macht wie seit 1988 nicht mehr.

Die jungen Nachwuchsschauspieler tragen erheblich dazu bei, dass “Compton” einen bleibenden Eindruck hinterlässt: Ice Cube wird dabei von seinem eigenen Sohn O’Shea Jackson Jr. gespielt – und der ist seinem Vater nicht nur wie aus dem Gesicht geschnitten. Dessen Stimme, Mimik und Gestik hat er bis zur Perfektion abgeschaut, gleichzeitig überzeugt er mit einem aufrichtigen Zorn, der schon damals die Karriere seines Vaters vorangetrieben hat. Jason Mitchell als Eazy-E verkörpert seine Rolle hingegen mit großer Intensität und verleiht in den besten Momenten seiner Rolle mit nur einem fokussierten Blick enorme Bedrohlichkeit – mit diesem Giftzwerg will man sich nicht anlegen. Da kommt auch Corey Hawkins als Dr. Dre nicht mehr ganz mit. Doch auch er kann Dr. Dre überzeugend verkörpern. Die weiteren Mitglieder MC Ren und DJ Yella sind hingegen ihrer Wahrnehmung in der Öffentlichkeit entsprechend auch hier nur Nebenfiguren.

Doch rundum perfekt ist “Compton” nicht. Paul Giamatti liefert als windiger Manager eine wie immer klasse Performance ab, aber die Figur an sich ist im Grunde als reines Klischee angelegt und muss für einige altbackene Banalitäten über die Gefahren des Musikbusinesses herhalten. Und obwohl der immense Umfang der Erzählung prinzipiell zu begrüßen ist und Gray und seine Autoren das Schicksal der Gruppenmitglieder Post-N.W.A. ausgiebig wiedergeben, machen sich insbesondere in der zweiten Hälfte einige Längen und dramaturgische Wiederholungen breit. Größere Zeitsprünge machen sich ebenfalls bemerkbar, die zwar jemand durchaus nachvollziehen kann, der ein wenig in der Materie steckt – HipHop-fremde Personen könnten mit vielen nebenbei angerissenen Meilensteinen und Eckpunkten jedoch überfordert sein bzw. diese schlichtweg nicht wahrnehmen. Die Krux ist, dass dem Film in dieser Phase die ein oder andere Straffung durchaus gut getan hätte – und er trotzdem eigentlich aufgrund der Fülle an Material, die man aus gleich mehreren Künstler-Biographien vorliegen hat, wiederum noch viel länger sein müsste. Ein Problem an denen allerdings nahezu alle Biopics kranken.

Trotz dieser Kritikpunkte vermittelt “Straight Outta Compton” einen emotionalen Einblick in das teilweise tragische Scheitern einer der explosivsten Musik-Acts der neueren Musikgeschichte. Die dargestellten Momente von Polizeigewalt, die Ausschreitungen im Stadtteil Watts von Los Angeles 1992 und die damit eng zusammenhängenden wütenden Inhalte der Liedtexte, verleihen dem Film außerdem eine zusätzliche Dimension, die über die Musiker-Biographie weit hinausgeht und vor dem Hintergrund aktueller Ereignisse wie die in Ferguson erschreckend auf das Heute zeigt: Die schon damals angeprangerten Missstände sind immer noch vorhanden und die Notwendigkeit des künstlerischen Ausdrucks darüber so wie die Lyrics selbst haben noch immer brisante Relevanz. “Straight Outta Compton” wird damit zum richtigen Film zum genau richtigen Zeitpunkt.

Zusätzliche Informationen zum Film

Originaltitel: Straight Outta Compton Land: USA Jahr: 2015 Regie: F. Gary Gray Darsteller: O’Shea Jackson Jr., Corey Hawkins, Jason Mitchell, Paul Giamatti Weitere Infos: IMDB, Amazon

Redaktion:
★★★★★★★★☆☆